《中华文明访谈录》

张 泉 著

当代世界出版社2021年12月出版

本书集结了三度“亚洲卓越新闻报道奖”得主张泉历时9年对24位杰出思想者的采访，勾勒出中华文明嬗变的轨迹。

巫鸿，全球著名的美术史家，艺术批评家，策展人。生于1945年，1963年考入中央美术学院美术史系。1972年至1978年任职于故宫博物院书画组、金石组。1978年重返中央美术学院美术史系攻读硕士学位。1980至1987年就读于美国哈佛大学，获美术史与人类学双重博士学位，并在哈佛大学任教，1994年获终身教授职位，此后受聘芝加哥大学亚洲艺术教学、研究项目，执“斯德本特殊贡献教授”讲席，2000年建立东亚艺术研究中心并任主任，同年兼任该校斯马特美术馆顾问策展人。

巫鸿的著作包括对中国古代、现代艺术及美术史理论和方法论的多项研究，其中《武梁祠：中国古代画像艺术的思想性》获全美亚洲学年会最佳著作奖，《中国古代美术和建筑中的纪念碑性》被《选择》杂志评为1996年杰出学术出版物，被《艺术论坛》列为20世纪90年代最有意义的艺术学著作之一，《重屏：中国绘画的媒介和表现》获全美最佳美术史著作提名。

2015年巫鸿在芝加哥大学北京中心（摄影：李冰）

古今中西，一场精神的漫游

（采访时间：2015年）

1972年，阴差阳错之间，巫鸿被分配到故宫工作。他和同事们住在宫中，入夜宫门关闭，虫鸣雀唳，诡秘寂寥。窗外荒草丛生，纸糊的窗被风鼓动美国芝加哥艺术大学，读书 | 对话巫鸿：古今中西，一场精神的漫游，飒飒作响，前朝的传说如同潮汐，夜以继日地袭来。时常有人信誓旦旦地宣称看见前朝宫女面无表情地走过，或者一只狐狸在门前遁形。振衣而起，窗外依然荒草蔓蔓。

沿着无边的宫墙漫步，仿佛随时会失足踏进明朝的黑夜，巫鸿并没有遇见前朝的幽魂，却在宫墙尽头走向更为久远的中国，那些消逝的时代令他着迷。

第一年在刚刚重新开门的绘画馆“站殿”，不停地擦拭游客们留在玻璃上的手印与唇印。越过这些斑驳的印痕，目光却始终被柜中的古画牵引。终日与它们相处，前朝的墨色竟像印在脑海中一般。

次年他被安排到书画组，后来又到金石组，摩挲着3000年前钟鼎上的冰冷纹路，那本没能完全读懂的《历代钟鼎彝器款识法帖》，终于找到了开启的密码。

1978年恢复高考，巫鸿重返中央美术学院攻读硕士研究生，继续师从金维诺教授。又过了一年，他终于获得批准，可以用真实姓名发表文章。他开始孜孜不倦地在《故宫月刊》《文物》《美术研究》上撰文，探讨秦始皇与秦二世时秦权的异同，研究河北平山中山国墓葬的造型与装饰，推断一组奇特的中国早期玉石雕刻背后的秘密。他带着论文《商代的人像考》闯进夏鼐的办公室，夏鼐并没有拒绝这个冒失的年轻人，接过论文，却径直翻到最后一页，去看巫鸿的注释和参考文献。

这些论文最终竟引起了来自大洋彼岸的关注，改变了巫鸿一生的命运。

1980年，一个在美国留学的中学同学鼓励巫鸿申请哈佛大学的博士，并将他的论文带给考古学与人类学名宿张光直教授。那篇研究秦权量值的文章让张光直大为赞赏，不久，巫鸿收到了录取通知书，成为张光直招收的第一个来自中国大陆的学生。

漂洋过海而来的哈佛大学录取通知书，让饱经风浪的父亲巫宝三比巫鸿还要激动，他拼命掩饰自己的情绪，又忍不住不厌其烦地告诉儿子他记忆里的哈佛，该去哪里买书，去哪里吃饭。父亲离开哈佛已经四十多年，巫鸿不相信那些餐厅还开着。不料，后来在哈佛广场上，他发现有一家居然真的还在。他在信中回应父亲心中的哈佛地图，仿佛他要代替父亲，继续走一场未竟的旅程。

1981年巫鸿在波士顿，仿佛李小龙

师从张光直教授

那本囫囵吞枣记诵的《英汉词典》，很快无法支撑巫鸿的生活。

哈佛的第一学期，他选了四门课——“考古学方法论”“中国考古学概论”“玛雅象形文学”和“印度宗教”，领域跨度之大，是因为接受了导师张光直的建议，尽量选修一些相对陌生的课程。

他开始用蹩脚的英语参与课堂讨论。为了读完教授们布置的书，动辄通宵达旦。他提前将观点用英文写出来，到课堂上念，然而讨论时仍然有些狼狈。这样过去了几个月，一位教授告诉张光直，巫鸿的英语糟透了，但他是个学者。（Wu’s is . But he is a .）

来自中国的年轻人让哈佛的教授们眼前一亮，后来，另一位教授贝格利（ ）看了巫鸿在《美术研究》上发表的论文，也大加赞赏，说它“简直不像中国人写的”。这个评价让巫鸿不知该欣喜还是悲哀。

“考古学方法论”这门课难度最大，对巫鸿的影响却可能是终身的。两位教授与七八个学生围坐，阅读不同时代、不同地域的考古学经典，上课时讨论作者的调查和研究方法。课前课后，巫鸿还会与张光直再聊几个小时。从前写论文大多出于学术直觉，哈佛的训练则让他意识到方法论的重要性。

一代人有一代人的洞察，也有一代人的使命。

1925年，随着中国现代考古学的初步发展，考古发掘逐渐步入正轨，大量文物重现人间，王国维欣喜地发现了学术研究的另一条线索，据此提出“二重证据法”——“吾辈生于今日，幸于纸上之材料外，更得地下之新材料。”

半个世纪后，张光直在《商代文明》的绪言中，阐释了“通往商代历史的五种途径”——传统历史文献，青铜器，卜甲与卜骨，考古学以及理论模式。如果说前四条途径是对王国维的继承和细化，最后一条“理论模式”则是一种更加“现代”的学术研究方法，“我们也需要具体的、特有的、可靠的方法在特定的层次上重建我们这些史料间的复杂关系。有些方法是不言自明的：考古学的年代序列，从空间商排列这些因素之间的复杂关系；还有文献描述。但其他的就不那么明显：也就是说QS100名校留学，那些中介理论模式。”如何将不同的素材进行有序整合，转化为系统的历史或文化叙事，决定着一个学者究竟能走多远。

张光直的言传身教，让巫鸿对方法论的愈发执着。此后，巫鸿又修了语言学、美术史、神话学……他发现，尽管不同学科关注不同的问题，但是基本解释框架是相通的。多学科的学术背景不仅积累了知识，更拓展了视野，此时，从方法论上理清头绪，建立系统，进行跨时代与跨领域的研究，已是水到渠成的事情，甚至是唯一的选择。巫鸿将社会学、人类学、思想史、美术史等方法融会贯通，形成独具一格的“开放的美术史”。正是在他这一代人的努力下，美术史研究得以跨越时代与学科的限制，不断汲取来自其他学科的养分，如同频频凭风借力，迅猛攀升。不过，时隔多年，回望重构美术史的历程，巫鸿也保持着警觉与忧患，新的发现固然振奋人心，其实又危机重重，“其结果既是这个学科影响力的增长和对一般性人文学科和社会科学的积极介入，也是它不断模糊的面貌和日益尖锐的身份危机。”

1982年巫鸿在哈佛

武梁祠与“中层研究”

完成方法论的构建，巫鸿野心勃勃地试图写一部与众不同的学术专著。他选择了一条险径，将视线投向武梁祠。

武梁祠位于山东嘉祥，建于公元151年，以精美绝伦的石刻著称于世。它一度被历史湮没，近代以来，世界各地的学者纷至沓来，千年古迹重获新生。巫鸿动笔之前，武梁祠已经被几位声名显赫的学者踏勘、研究了一个世纪，从法国汉学家沙畹（-è ）到日本学者关野贞（ Tei）、大村西崖（Omura ），以及巫鸿父母的老友、费正清夫人费慰梅（Wilma Canon ）。

面对前人缜密的学术网络，巫鸿还是找到了突破口，他不像一般中国研究那样囿于图像认定，也不像西方研究那样注重分析艺术风格，而是找到了一条中间的路，他命名为“中层研究”。他不仅进行详细的个案排查与分析，也不仅阐释背后的社会背景与历史演变，更将武梁祠作为一个整体的空间作品来解读，探讨其社会、历史、思想、礼仪等内涵。《武梁祠：中国古代画像艺术的思考性》（The Wu Liang : The of Early Art）是巫鸿的第一部学术专著，1989年荣获全美亚洲学年会最佳著作奖，让他对自己独创的“中层路线”充满信心。6年后出版的《中国古代美术和建筑中的纪念碑性》（ in Early Art and ）是“中层研究”的一次扩大尝试，他试图提供理解中国美术史的另一个更宏观的角度，这本书被《选择》（）杂志评为1996年杰出学术出版物，又被《艺术论坛》（Art Forum）列为20世纪90年代最有意义的艺术学著作之一美国芝加哥艺术大学，曾担任哈佛大学美术史与建筑史系系主任的伊万兰·卜阿教授更是盛赞“此书完全可以与福柯的《词与物》比肩”。不过，这本书却也引发了一场轩然大波。

“纪念碑性”（）在西方往往体现为巨型建筑，融汇绘画、雕塑、建筑于一体，具有宗教内涵和政治意义。巫鸿却提出，对纪念碑的迷恋并非西方独有，中国小小的玉器、铜器、陶器，与埃及金字塔、古希腊雅典卫城、罗马万神殿、中世纪教堂这样巨型建筑一样，承载着同等的宗教、政治和美学涵义。小大之辩，实则殊途同归。

曾经夸赞巫鸿写文章“简直不像中国人”的哈佛教授贝格利大发雷霆，在《哈佛大学东亚学集刊》上撰文，逐章批判，认为巫鸿以“文化当局者”自居，将西方学者视为“文化局外人”。巫鸿不得不在杂志上回应贝格利的误读和曲解，此后，罗泰（ von ）、夏含夷（ L. ）、杜德兰（Alain Thote）、田晓菲、李零等一大批研究中国历史、文化与艺术的学者卷入这场论战。“中国”究竟是什么？“中国”是连续的还是断裂的？考古学与文献学应该在研究中处于什么位置？有的问题似乎越辩越明，有的问题却依然在傲慢与偏见中淤积。

1998年巫鸿在研究宣化辽墓

巫鸿走出的每一小步，都是中国当代艺术迈出的一大步

尽管策展人与学者是两种截然不同的身份，巫鸿却逐渐应对得游刃有余。

1987年，他在哈佛大学获得人类学与美术史双重博士学位，留校任教，仅仅7年后就被授予终身教授教职，在大师云集的哈佛大学，称得上是一个奇迹。然而此时，他却意外地接到了来自芝加哥大学的邀请。

芝加哥大学愿意在中国当代艺术研究方面提供更多的空间与支持，那里热烈的学术讨论氛围也让巫鸿神往，在经济学、人类学等领域，芝加哥大学都形成了享誉世界的重要学派。踌躇再三，巫鸿决定离开哈佛，受聘为芝加哥大学斯德本特殊贡献教授，负责亚洲艺术的教学与研究项目，此后又创办东亚艺术研究中心，并为芝加哥大学斯马特美术馆担任顾问策展人。

到芝加哥大学后，展览逐渐进入正轨。《瞬间：20世纪末的中国实验艺术》是巫鸿为中国当代艺术策划的第一个大型展览，通过长期的研究与访谈，他选择了21位中国当代艺术家，当时在美国艺术界，他们的名字还颇有些陌生，巫鸿却试图从他们的作品中发现实验性与创造力，这次展览在美国巡回展出，引起激烈反响，中国当代艺术家群体真正登上世界舞台。

这是一个新的起点。巫鸿策划的展览逐渐蔓延美国、中国及至全世界。多年来，他仍然保持着学者的习惯，策展前要与艺术家进行多次交流或者笔谈，了解他们艺术理念的来龙去脉，面对各种思潮时的抉择，判断与世界艺术史的关联及位置。他习惯于持续发问，一连串的问题滔滔不绝，那些对自己的艺术没有经过深入思考的人，很容易招架不住。

从哈佛大学亚当斯学院到芝加哥大学斯马特美术馆，再到遍布全球的重要美术馆和博物馆，巫鸿走出的每一小步，都是中国当代艺术迈出的一大步。一片荒原逐渐被耕耘成震撼世界的麦田。

渐渐地，有人愿意为中国当代艺术家提供资助，有人提出要收藏他们的画作，有人开始承办他们的展览，再后来，他们的作品在狂热的拍卖市场上屡现天价，甚至超越了他们所崇敬的达芬奇与毕加索。

改变仿佛突如其来，又漫长得令人窒息。

如今，有的人拥有了曾经无比渴慕的声名与财富，也有的人在时代的喧嚣面前拱手让出了从前的真诚与好奇心。有的人在开创自己的风格，有的人终究被生活吞噬。只有巫鸿依然在勤奋地写作，不知疲倦地发掘新锐，策划新的展览。他的样子甚至都没有发生改变，他敏捷的思路以及那副如同骑士般时尚的眼镜，都让人们很难猜测他的年龄。他已经年过古稀，却仍然像个不知疲倦的年轻人，频繁地出入考古现场，出版学术专著，策划当代艺术展览，思路活跃而缜密。他甚至在豆瓣上注册了账号，每隔一段时间会现身，回答年轻读者的提问。他的书桌上有两台连在一起的电脑，一台用书垫得很高，坐累了可以站起来，换另一台继续工作，站累了再坐下，如此周而复始。

多年来，他的研究从金石跨入书画，从古代祠墓进入中国当代艺术，他的研究横跨整个中华艺术史，从史前考古到汉唐宋元明清直至当代艺术，纵横捭阖，乐此不疲，他见证了时代的变迁，也是这场变迁的幕后推手。在学术研究与社会影响之间，一个学者怎样才能找到内心的平衡，既能潜心钻研，又能启蒙公众，巫鸿的探索或许是绝佳的例证。当一个人孤独地面对瞬息万变的时代，他没有被摧毁，没有被吞噬，也没有被腐蚀，冥冥之中仿若天意，其实心中早有定数。

2015年在余德耀美术馆策展“天人之际II”

学科建设与知识建构

问：1994年你在哈佛大学获得终身教授职位，后来却选择到芝加哥大学任教。这可能是你的研究历程中很重要的一个转折点。你曾提到，一个重要的原因是在美国汉学界待久了，不只是考虑自己的处境或者写作的问题，更多考虑的是学科的建设。

巫鸿：当时我刚刚在哈佛大学获得终身教授任职，这在哈佛是一件很难的事情。但是突然出现了一个情况，芝加哥大学得到一大笔赞助，赞助者希望请一位优秀的研究中国美术史的教授，组建一个学术班子，不仅是一个职位，而是一个项目，一个学科的建立，可以做很多事。

他们找了很多人，最后要把这个职位给我。我太太也在哈佛教书，他们也邀请她一块儿去芝加哥大学。

我把邀请信交给哈佛人文科学学院院长，一般来说，校方会进行一些协商挽留，但他看过以后，只说了一句“恭喜！”当时哈佛大学大概没有决心给中国艺术研究这么多的资助和支持，机缘还不存在。我就去了芝加哥。后来在芝加哥大学慢慢地做项目，自己也写作，还做了很多当代艺术的研究和展览。芝加哥大学斯马特美术馆馆长和我见面，谈得很好，她一下子提出很多可能性，可以一起组织中国当代艺术的展览，这在当时的美国并不多见。后来，耶鲁大学、加州大学伯克利分校也邀请过我和我夫人去任教，我觉得还是芝加哥大学比较适合，就都没去。

问：你曾开玩笑说，把美国研究中国美术史最著名的三座大学都拒绝了，不知道以后该去哪里。当时对学科建设有什么构想？计划分几个阶段去实现？

巫鸿：美国大学里常常只有一位教授教中国美术史，做完整的研究实际上不太可能，可说只是学科建设的初级阶段，在教学上只能是介绍性的。所以，第一步就是要做得面更多一些。自芝加哥大学的开始几年，我们邀请了世界上非常重要的中国美术史家，比如英国牛津大学的罗森（ ）、德国海德堡大学的雷德侯（ ）等，每个人到芝加哥大学住半年或一年，他们自己提出课程内容，每周给研究生上课，把他们的专长和风气也带过来。陆续请了四五位教授来上课，也组织了一些跨国的活动和会议，比如“汉唐之间”的讨论会，我们办了三年。

2000年，又建立了东亚艺术研究中心，聘请了蒋人和（ ）博士担任专职副主任来组织这些活动，她本人也是富有著述的学者，在佛教美术和陶瓷研究等方面尤为擅长。还有访问学者、博士后和多位研究生，最后形成在芝加哥大学有一群人在持续地做中国美术史方面的研究。

问：芝加哥大学吸引你的一个原因是有自由讨论的风气，在经济史、人类学领域都形成学派。美术史研究是否在慢慢形成学派？

巫鸿：是否形成学派，最好是由别人来评判。我们不一定是在做一个学派，而是在做一个理论的结构，这个结构不只是一个人的著书立说，而也牵扯到教学的内容和方式，牵扯到如何引领领域内的新方向、新趋势、新解释。芝加哥大学在机制上可以说有这样的倾向，有很多讨论会、工作坊、讲座，特别鼓励交流，鼓励大家一起思考问题。但这不是集体写作，每个人还是独立的。别的大学当然也有这些，但是芝加哥大学在美国以此著称。

芝加哥大学的《批判探索》围绕杂志做研究，也聚集了一批人，这本杂志我也参与了，《重屏》的前言部分理论性比较强，就是在那里先发表的，芝加哥比较有这种气氛。

美国芝加哥艺术学院学院，何谓“奥尔菲主义”？古根海姆聚焦西方艺术史过渡时刻

野兽派、表现主义、立体主义、至上主义、超现实主义……20世纪早期的欧洲美术史，充斥着这些后缀“主义”的流派。然而，其中的奥尔菲主义（），在今天除了学术界，几乎鲜有被讨论。

澎湃新闻获悉，11月8日起，纽约古根海姆博物馆推出首个深入探讨奥尔菲主义的展览“和谐与不和谐：1910–1930年巴黎的奥尔菲主义”（ and : in Paris, 1910–1930）。这场涵盖了1910年到1940年代初、约90件作品的展览，证明了奥尔菲主义不仅仅是一个流派英国G5院校留学，更是西方艺术史关键的过渡时刻。

纽约古根海姆博物馆“和谐与不和谐：1910–1930年巴黎的奥尔菲主义”展览现场

何为“奥尔菲主义”？这个问题的答案有点复杂。

奥尔菲主义起源于1910年代初期的巴黎。诗人吉约姆·阿波利奈尔（ ）于1912年创造了“奥尔菲主义”这一术语，用以描述那些逐渐摆脱立体主义，转向抽象、多感官表达方式的艺术家，旨在提供“更为内在、少些理智、更多诗意的宇宙和生命视角”。

这是一个相当模糊的定义，但阿波利奈尔确实知道自己描述的是什么。他看到了巴黎艺术家如罗伯特·德劳内（ ）和弗朗西斯·皮卡比亚（ ）的作品，而这些作品由破碎的形态构成，仿佛在画布上跳跃舞动。阿波利奈尔认为，他们将声音转化为图像，所以“奥尔菲主义”之名源自希腊神话中的诗人和演奏家奥尔菲斯（），他通过歌声感动大自然并挑战死亡——将音乐的短暂抽象性与奥尔菲主义的超越性特征相类比。

吉约姆·阿波利奈尔

与奥尔菲主义相关的艺术家，如罗伯特·德劳内、索尼亚·德劳内（Sonia ）、弗朗茨·库普卡（šek Kupka）和弗朗西斯·皮卡比亚，他们试图捕捉20世纪初的现代创新，这些创新深刻地改变了人们的生活方式和思维方式。他们的艺术反映了现代生活的“同时性”。当时，新的、更快的交通工具和通讯方式改变了人们对时间与空间的观念。早期飞行的空中视角提供了多重视点，而电灯照亮了夜晚城市街道的肌理。艺术家通过作品将流行音乐和舞蹈的动态节奏具象化，创作了万花筒般的构图美国芝加哥艺术学院学院，捕捉现代生活的同步性。

他们中，有的艺术家在棱镜般的作品中探讨了色彩的和谐与对比，而有的则融入了流行音乐和舞蹈的节奏与切分音。他们汲取了新印象派的色彩理论以及“蓝骑士”（Blue Rider）的哲学思想——奥尔菲主义推向极限时，意味着彻底的抽象。

此次展览在古根海姆博物馆标志性的旋形圆厅的五个楼层呈现，展示约90件艺术作品（包括绘画、雕塑、纸上作品等），重点呈现探讨这一跨国运动在巴黎的发展，并讨论舞蹈、音乐和诗歌等因素对艺术的影响，同时展览将奥尔菲主义作为一个广泛而灵活的范畴，涵盖了20世纪初期一系列实验抽象艺术的艺术家，故马克·夏加尔（Marc ）、马塞尔·杜尚（ ）、阿尔贝·格莱泽（ ）、梅妮·杰莱特（ ）、费尔南·莱热（ Léger）、斯坦顿·麦克唐纳-赖特（ -）、摩根·拉塞尔（ ）等艺术家的作品也在展出之列。

马克·夏加尔，《向阿波利奈尔致敬》，1913年，200.4×189.5cm

德劳内和皮卡比亚的早期作品，被放置在一个展厅中，展示了奥尔菲主义所呈现出的多种形式。德劳内的作品是一幅圆形画作，画中的月亮被分裂成各种颜色的圆盘；皮卡比亚1913年的《埃达奥尼斯尔》（），看起来像是一场机器内脏的爆炸。皮卡比亚作品的粗犷工业感与德劳内作品的饱和色彩奢华感完全不同，然而阿波利奈尔却将二者放在一起，并称之为一个运动。

弗朗西斯·皮卡比亚，《埃达奥尼斯尔（教士）》，1913年，299.7×299.7cm，芝加哥艺术学院藏

与它们在同一展厅的，还有弗朗茨·库普卡的《图形主题的定位 II》（1912–1913），这件作品接近完全抽象，画中央是一位类似天使的形象，其翅膀发出脉动的黑色、紫色和绿色的形态。这些形态在画布上波动，仿佛是在呈现一种回响。

弗朗茨·库普卡，《牛顿的圆盘（〈双色赋格曲〉研究）》，1912年，100.3×73.7 cm，费城艺术博物馆藏

阿波利奈尔将弗朗茨·库普卡纳入了奥尔菲主义的范畴，但库普卡对自己被归为奥尔菲主义者感到吃惊——他曾说，这个运动“出自一个信息匮乏之人的头脑”。更不用说，到1910年代末，许多原本的奥尔菲主义者纷纷分裂，朝不同的方向发展。虽然皮卡比亚曾有明确的奥尔菲主义阶段，而杜尚则没有，最终两人都将自己的创作方向与达达主义（一个基于荒诞主义而非抽象主义的运动）联系在一起。与此同时，曾被认为与立体主义有一定关系的费尔南·莱杰（ Léger），也在1910年代结束时提出了自己的“管状主义”理论，他认为，人类及其周围环境由金属外观的圆柱体组成。

摩根·拉塞尔，《四部同步演奏，第7号》 1914-1915年 ©惠特尼博物馆

还有一些艺术家明确地拒绝将自己与奥尔菲主义联系在一起。摩根·拉塞尔（ ），一位当时在巴黎的美国艺术家，在阿波里奈尔将他的一幅作品评为“模糊的奥尔菲式”后感到愤怒，便发展出了自己的分支——同色主义（）。他认为同色主义更注重通过色彩的运用，去实现奥尔菲主义中所缺失的某种“火花”。在此次展览中，拉塞尔的作品《宇宙同色法》（ ，1913–1914）便是其中充满活力的代表作之一，作品中的橙色、黄色和绿色带组成的圆形在空间中旋转，互相碰撞，继续扭曲前行。拉塞尔曾表示，将这样的作品误认为奥尔菲主义，“就像把老虎当作斑马”。

摩根·拉塞尔，《宇宙同色法》，1913–1914年

然而，混淆是完全可以理解的，因为拉塞尔与奥尔菲主义者们其实都在回应同样的事物：现代时代中新出现的视觉感知方式，那时一切变化的速度比以往更快。

新的色彩理论，特别是19世纪中期M.E.·舍夫勒（M.E. ）的色彩理论，展示了当不同色调并排时，眼睛如何以不同的方式感知它们。奥尔菲主义者继承了后印象派艺术家如乔治·修拉（ ）和保罗·西涅克（Paul ）的遗产，试图轻轻地将图像印入现代观众的视网膜，期望他们无法以同样的方式去看待世界。

罗伯特·德劳内，《红色埃菲尔铁塔》，1911–1912年，125×90.3cm，古根海姆博物馆藏

这些艺术家通常通过大量借鉴立体主义的元素来实现他们的美学目标，立体主义作为一个更加凝聚的运动，追求多视角的表现方式。以费尔南·莱热的《吸烟者》（Les ，1911–1912）为例，画中一名男子从两个视角呈现，他一边抽着烟，一边凝视着巴黎的屋顶。男子的额头被折射成立方体形态，周围的景象则由方形的树木、三角形的屋顶和椭圆形的白烟组成，所有这些元素仿佛堆叠在一起，与立体主义的创始人毕加索和布拉克将吉他切割成三维形式后再将其打乱重组的方式并无太大区别。

费尔南·莱热，《吸烟者》，1911–1912年，古根海姆博物馆藏

《吸烟者》是否真正符合阿波里奈尔的要求——即奥尔菲主义艺术应呈现“更内在、更少理智、更多诗意的宇宙和生命的视角”，这是值得争议的。可以说，几乎没有哪个现代主义运动比立体主义“更具外在表现、更理智、且更少诗意”。毕竟，分析立体主义正是因为其强调分析性而得名。《吸烟者》的缺乏诗意，这使它更应被视为立体主义作品，而非奥尔菲主义作品。或许这是因为它表现的是法国现代生活的冷酷现实——也就是说，具有明显具象性的图像。阿波里奈尔所追求的内在性似乎要求某种完全不同的表现方式。

罗伯特·德劳内，《圆的形式》，1930年，纽约古根海姆博物馆藏

当奥尔菲主义者彻底投身于完全抽象的艺术创作时，他们在实现阿波里奈尔定义方面更为成功。罗伯特·德劳内的《第一圆盘》（First Disk，1913–1914）是本次展览中最早的完全非具象作品之一，这幅圆形画布被分成四个象限。每个弧形的色带以不同的颜色从中心向外扩展，形成一个类似靶心的形状，其中充满了独特的和谐感。这幅画直径接近1.5米，在古根海姆展出时几乎占据了整个展区。今天看到它时，它的冲击力依然不减，和一个世纪前的震撼感一样强烈。

罗伯特·德劳内，《第一圆盘》，1913–1914年

《第一圆盘》是本次展览中为数不多的几幅完全符合阿波里奈尔奥尔菲主义要求的作品之一，这更为引人注目的是，很多符合这些要求的作品并非奥尔菲主义者的作品。举个例子，吉诺·塞韦里尼（Gino ）的《舞者-螺旋桨-海洋》（—Hélice—Mer，1915），这是一幅菱形画布，画面上蜿蜒的彩色形状扭动着，黄色的三角形像刺一样穿插其中。塞韦里尼是意大利未来主义者，但这幅作品却包含了阿波里奈尔曾在摩根·拉塞尔的艺术中发现的“模糊奥尔菲主义”的特质。

现代艺术博物馆的首任馆长阿尔弗雷德·巴尔（ H. Barr）将奥尔菲主义尴尬地夹在立体主义和未来主义之间。他认为，奥尔菲主义处于一个过渡空间——它是立体主义、未来主义和其后所有艺术流派之间的“失落环节”。它既不够独特以至于能拥有自己的分支，又不至于乏味到完全被淘汰，奥尔菲主义是那种微小风格的一部分，它帮助西方艺术达到了当时所处的状态。

奥尔菲主义在刚开始后不久便失去了热度，它对丰富色彩的强调在第一次世界大战的恐怖之后变得过时。然而，古根海姆博物馆的展览巧妙地继续呈现奥尔菲主义的影响——即使它在1918年阿波里奈尔去世后已经结束——并表明这一“非运动”仍然在现代艺术中留下了持久的印记。

阿尔贝·格莱泽，《布鲁克林大桥》，1917年。油画，161.8×129.5cm，古根海姆博物馆藏

《和谐与不和谐：巴黎的奥尔菲主义，1910-1930》由古根海姆博物馆馆藏部高级主任兼高级策展人特雷西·巴什科夫（ ）与19世纪及20世纪早期艺术高级策展人维维安·格林（ ）共同策划。其中美国芝加哥艺术学院学院，何谓“奥尔菲主义”？古根海姆聚焦西方艺术史过渡时刻，巴什科夫擅长研究瓦西里·康定斯基（ ）及其“蓝骑士”团体；格林的研究涉及分割主义（）和新印象主义（Neo-，又称点彩派，是继印象派之后在法国出现的美术流派）。这些艺术运动及其艺术家对奥尔菲主义艺术家产生了深远的影响，同时俄国艺术家也对奥尔菲主义有着不容忽视的重要。展出作品大约四分之一来自古根海姆博物馆的馆藏，这些艺术品正是弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd ）为博物馆设计的收藏馆的核心部分，恰逢该建筑在2024年秋季迎来65周年纪念。

其中，罗伯特·德劳内的《埃菲尔铁塔》（1911；题记1910年）和库普卡的《娱游曲I》（1935）的修复后首次亮相，古根海姆博物馆的修复团队恢复了画作中微妙而重要的色彩变化、深度和运动感。

梅妮·杰利特，《画作》，1938年，76×64.6cm，北爱尔兰阿尔斯特博物馆藏

在最后的一个展厅里，有梅妮·杰列特（ ）的《画作》（，1938），其中薄荷绿和栗色的带状色彩滑过一片深蓝色的背景。这幅画是在阿波里奈尔去世二十年后，于爱尔兰创作的，杰列特使用了不协调的色彩带，看起来似乎回响了德劳内在《第一圆盘》中使用的那些色调。看起来，德劳内的圆盘从未完全停止旋转。

注：展览将持续至2025年3月9日，本文编译自古根海姆博物馆展览网站以及《》的展览评论

美国萨凡纳艺术艺术设计学院，电影留学工作坊｜全美最大艺术学院萨凡纳艺术与设计大学

学校简介

中文名称：萨凡纳艺术与设计大学

英文名称： of Art and

学校类别：私立非营利性大学

建立时间：1978年

2023年QS排名：

最佳艺术高校，2023《Art & 》

QS世界大学艺术与设计专业全球36

室内设计专业

媒体动画,《The , 2018》

红点设计概念奖, 2017

工业设计,《 》

学校主页：

萨凡纳艺术与设计学院（ of Art and ，SCAD） ，位于美国佐治亚州的萨凡纳市中心，是全美最大的艺术学院，也是全球最大的艺术大学之一。该校被称为“最热门的艺术学习中心”，许多著名品牌设计师及迪斯尼动画师皆出自该校，例如的首席设计师Kate 。

美国萨凡纳艺术与设计学院(简称SCAD)位于佐治亚州有着200多年的历史古城萨凡纳市。由于整个城市的古建筑保存完好，这里被人们称为美国最美丽的城市之一。学院建筑系的教学楼是一座建于1887年的古屋，而整个城市更像是一座活生生的建筑博物馆，有着百年历史的建筑随处可见，现在仍旧有人居住和使用。

优势专业包括全球排名第一的动态媒体设计，全美排名第一的室内设计，以及同样持续为迪士尼动画和皮克斯动画，梦工厂等全球顶级动画公司注入毕业人才的动画专业，时装设计，平面设计，工业设计等享誉美国。

SCAD每年举行多场学术讲座，全美著名作家、设计师应邀参加。《辛普森一家》（The ）创作者马特·格勒宁、著名设计师 Wang都是SCAD座上宾。

知名校友

Kate ：的首席设计师

Matt ：普利策政治漫画家奖得主

：获普利策提名、罗伯特肯尼迪新闻记者奖、知名新闻摄影讲师和摄影师

India.Arie：格莱美音乐家和歌手奖得主

’O：韩国著名演员和模特

近来，萨凡纳艺术与设计学院（SCAD）自豪地宣布，超过150名校友为第95届奥斯卡金像奖提名的影片贡献了自己的才华。今年，他们活跃于18部获得奥斯卡提名影片的台前幕后。

这些才华横溢的SCAD校友代表了各种顶级学位项目，包括动画、视觉效果、电影和电视、制作设计、音效设计、剧本写作、连环画、插图、建筑、互动设计和游戏开发、时装、绘画、摄影和家具设计。有30名曾参与2023年提名电影制作的校友也在2022年奥斯卡提名的电影中效力。

6位SCAD校友为最佳影片提名作品 All at Once 做出了贡献。美术指导 （电影电视学学士，2008年）创造了该电影的外观。该片获得11项奥斯卡提名，包括最佳影片、服装设计、导演、电影剪辑、原创配乐、原创歌曲和剧本。此外，还有5位音效设计校友参与制作。

《黑豹：瓦坎达永存》获得了最佳视觉效果、化妆与发型和服装设计提名，其中包括29名SCAD校友的贡献，包括首席视觉效果艺术家Adam （电影电视学硕士，2018年）和特殊服装制造师 （时装学学士，2013年）。

《阿凡达：水之道》获得了最佳影片、音效、视觉效果和制作设计提名，其中包括22名SCAD校友的贡献，包括视觉效果总监 （计算机艺术学学士，2005年）和高级合成师 （动画学学士，2012年）。

值得注意的是，SCAD校友为五部获得最佳动画长片提名的影片——《极速转弯》、吉尔莫·德尔·托罗的《匹诺曹》、《鞋子里面有蜗牛马赛克》、《海兽之子》和《穿靴子的猫：最后的愿望》——做出了贡献。

地理环境

作为世界上最受欢迎的旅行地之一，萨凡纳每年吸引来自世界各地超过 700 万的游客。从与众不同的公园式广场、鹅卵石街道到宏伟建筑风格的战前住宅和教堂；从独一无二的商店到种类繁多的沿海美食，世界上没有任何一个城市可以与萨凡纳媲美。

萨凡纳还被美国《旅行&休闲 + 》杂志评选为“美国最受欢迎的旅行目的地城市”，以及“最佳生活质量及旅行体验旅游目的地”。

这座城市充满才艺与活力，随处可见各种娱乐活动。参观萨凡纳历史剧院或沿着人行道闲逛市区市场，去听听街边音乐家的表演，参加一次年度电影节、人行道艺术节或流行艺术画廊，还可以看到钢琴表演，百老汇式音乐剧，另类乐队表演或节奏感强的蓝调音乐，应有尽有。

学校设施

SCAD的三大校区有许多过去曾经是重要公共建筑物。经过学院的恢复和翻新，已经被改造用于教育和行政管理。藏书丰富的艺术和建筑学图书馆、计算机室、暗室、冲洗实验室和剪接与影视节目后期制作房。艺术用品店和书店、餐馆和画廊都方便地遍布于整个校园之内。

学院还配有一个健身中心和一个小型诊所，同时还有各种各样的宿舍，配有餐饮设施或厨房。另外，学院的Off- 能给学生提供更广的学习角度，借由地利之便，学生可以到纽约、洛杉矶、旧金山、芝加哥等城市，以及SCAD在法国拉克斯特的校区等去学习。

SCAD提供无与伦比的实践机会，通过多家国际知名公司实习和参与企业赞助的大型合作项目，学生可得到实用的工作经验和宝贵的人脉。就业及校友支援部专为学生安排实习，并协助学生配对梦想工作。

专业概述

SCAD拥有着100个专业，开设了八大学院，分别为传达艺术学院、建筑艺术学院、设计学院、时装学院、娱乐艺术学院、数字媒体学院、传统美术学院和文科学院。

电影与电视

Film and

BFA/MFA/MA

从史诗般的好莱坞大片到小规模的移动节目，电影和电视内容需要永恒的故事，以及制作和表演的复杂和谐。SCAD拥有可与最大的制片厂相媲美的资源、屡获殊荣的教授、出色的签名节以及包括演员、编剧和制作人员在内的人才库，SCAD的电影和电视学生有资源和舞台来领导他们自己的职业叙事。学生们沉浸在制作过程的各个方面，发展艺术和技术的掌握–并在毕业前长期在真实的场景中工作。

萨凡纳艺术设计大学电影和电视系的老师们在教授学生电影理论、电影史的同时，更加鼓励学生们进行实际创作。整个影视系就像一个大型的影视工作室，这里拥有从先期制作、拍摄到后期制作的所有设备。学生们在不停地拍摄实践中学习和演员们交流，和剧组成员们交流，并努力使自己的作品能够真正地和观众们交流，而每年一度的萨凡纳电影节更是为学生们提供了与电影大师们面对面交流的机会。

课程：不论研究生还是本科生，电影与电视专业的学位中并没有专业区分。学生需要完成包括基础学习、一般教育、专业课程。课程内容涵盖了从画图、剧作、制片，到灯光、导演等一系列课程。学生可根据自己的兴趣在某些课程分区中选择自己的方向。BFA总学时为170小时的，MA为45小时，MFA为90小时。

制作设计

在SCAD，制作设计项目充满了机会。通过一个致力于综合方法的部门，学生有许多制作设计师梦寐以求的机会，定期为知名人士和行业巨头的项目做出贡献。制作设计校友受雇于世界各地的20世纪福克斯，探索通信，食品网络，HBO, HGTV, MTV网络，NBC环球，新美国莎士比亚酒馆，和Wolf Trap表演艺术基金会。

课程：不论本科和研究生，学生均没有具体专业之分。学生可根据自己的兴趣，选择包括画图、视觉文化、建筑、空间三维、媒体应用设计等一系列课程。本科生BFA总学时为160小时，MA为75小时，MFA为90小时。

声音设计

作为唯一一所授予声音设计学士、硕士和硕士学位的大学，SCAD培养学生成为电影、电视、音乐制作等领域屡获殊荣的音频专业人士。在一门以商业媒体制作的美学、工具和工作流程为模型的课程中，您将开发使用最先进的资源记录令人难忘的音频叙述的技术和技能。在本课程中，您将由具有数十年经验的教师指导，并有机会跨SCAD学科在电影，动画和视频游戏方面进行合作。

课程：不论本科和研究生，学生均没有具体专业之分。学生可根据自己的兴趣，选择包括电影电视声音、ADR和旁白、立体声混音、多通道混音、现场音响等一系列课程。本科生BFA总学时为180小时，MA为45小时美国萨凡纳艺术艺术设计学院，MFA为90小时。

动画

BFA MA MFA

成为横跨电影、电视、视频游戏、AR/VR等行业的巨头照亮幻想的领域和角色，启动事业，给粉丝带来欢乐，并席卷世界。SCAD被《动画职业评论》( ) 年复一年地评为美国顶级动画项目，SCAD提供了各种资源，帮助您在2D、3D和定格动画、数字建模、索具、照明和外观开发中开发您的标志性风格。当你与顶级公司和同行一起工作时，你会成为一个专业的协作者——就像在现实世界中一样。

课程：与其他专业相同，动画专业并无细分，学生可根据自己的喜好，在一系列包括绘画、媒体应用、空间三维、动画史、动画制作、2D、3D、动画故事等课程中选择。本科生BFA总学时为180小时，MA为45小时，MFA为90小时。

戏剧创作

掌握为播客、电影、电视，以及更多的艺术形式讲故事的能力。按照娱乐行业的专业进行课程，为在线渠道和流媒体平台开发自己的故事，与志同道合的同学一起合作，创建有趣，强大和感人的内容。通过与从导演到演员等创意领域的才华横溢的同行合作，看到您的作品变得栩栩如生，同时您还可以向定期访问SCAD的行业巨头学习。

课程：除必修课外，学生可在包括戏剧理论、即兴创作、电影电视写作、喜剧写作等各类课程中进行选择。BFA总学时为180小时，MFA总学时为90小时。

摄影

摄影弥合了文化鸿沟，记录了人类历史且反映了它的美。在SCAD，您将构建自己独特的观点，在启动您的创意职业生涯的路上，通过现代和下一代数字技术的历史和模拟过程，学习摄影的全谱。学生学习如何掌握视觉素养，通过色彩和构图提升个人风格。从高级时尚杂志的自由职业者到社交媒体内容创作，再到美术，SCAD的学生们在一个由尖端设备、SCAD博物馆和画廊的展览以及令人垂涎的实习机会推动的项目中，为所有这些做好了准备。

课程包含：摄影历史、黑白摄影、商业实践、构图、理论、数码成像等。BA和BFA总学时为180小时美国藤校留学，MFA总学时为90小时，MA为45小时。

视觉特效

加入SCAD视觉特效校友联盟，他们的作品分享了奥斯卡金像奖
，这些电影包括《复仇者联盟:终局之战》、《冰雪奇缘2》、《星球大战:天行者的崛起》、《玩具总动员4》和《邻里美好的一天》。SCAD为您的成功提供高端，专业的数字工具，以及顶级的工作室和设备。我们的教师包括一个令人印象深刻的专业人员名单美国萨凡纳艺术艺术设计学院，电影留学工作坊｜全美最大艺术学院萨凡纳艺术与设计大学，他们曾为行业巨头工作过，他们是我们这个时代最具代表性的动画电影背后的视觉效果策划者。现在轮到你效仿了。

课程包括：基础绘画、空间三维、视觉效果编程、视觉效果概念、电影史、模型渲染、数字造型等。BFA总学时为180小时，MFA总学时为90小时，MA为45小时。

申请流程

1.在线申请：

2.申请费用：40美金。

3.请提交以下材料以申请：

l申请表，成绩单，简历（简历中应该包括教育经历、专业或实习等其他工作经验，同时还应列出申请者专业作品、获得的荣誉、参加的社团、申请者感兴趣和参与的活动，包括志愿者工作。）

l个人陈述（个人陈述包含对申请者的学术成就和专业成就，注明学生对本学科有浓厚的兴趣，学生理解能力超强，字数在500到750之间。），推荐信（2封）

l作品集，语言成绩（托福总分85分以上，雅思总分6.5分以上）

4.学费：

本科学费：$39,105/年

硕士学费：$40,050/年

语言学费：

1-4级：$3,248

5级：$2,436

6级：$2,436。

其他费用详情请参考官网。

5.奖学金：本科学生需要申请奖学金的话需要提供作品集和CV。学校会根据学生的作品集以及国际生的语言成绩发放奖学金。

6.申请日期：录取结果通常需要2至4周时间，申请人应在预定入学学期前至少30天申请。